Ya se ha estrenado la nueva película del gran, gran Clint Eastwood. Con esta frase ya he dejado ver que adoro a este director. Desde hace 15 años con Sin Perdón, nos ha deleitado con un buen puñado de grandes películas e indiscutibles obras maestras.

Aquí decide realizar un drama sobre la utilización por parte del gobierno americano de los soldados que aparecen en la famosa fotografía de Rosenthal de los marines levantando la bandera en Iwo Jima. Bueno, habréis visto en los trailers unas espectaculares escenas bélicas. Cierto, pero la historia principal versa sobre los meses posteriores.

Y para mostrarnos en flashback las imágenes de la batalla, el señor Eastwood ha decidido enseñarnos que también sabe utilizar el dinero de una gran superproducción si es necesario, y así rueda unas fantásticas imágenes de la batalla, si bien son deudoras de esa otra maravilla bélica llamada Salvar al Soldado Ryan. No en vano le produce Spielberg. Así las imágenes del desembarco son tan estremecedoras como en aquella aunque con algunas diferencias. La primera es la espectacularidad de las escenas aéreas, algo que no se daba en la otra, y la segunda es un movimiento de cámara menor. En la de Spielberg había momentos de mareo con la cámara, aquí las escenas son un poco más estables. A lo que ayuda que los "japos" no empezasen a disparar hasta un "poquito después".

La peli no escatima en sangre y casquería (en especial unas escenas con granadas), aunque posiblemente no llegue a haber momentos tan crueles como la muerte del médico o la del judío en la del soldado Ryan.

Esto para los que busquen el cine bélico, pero no olvidéis que el centro es un drama posterior.

En este apartado es donde Eastwood afila su mirada crítica e incisiva, a la que nos tiene acostumbrados. Muestra una descarnada crítica de la clase política, como los tres soldados son utilizados, incluso contra su voluntad, sin importar en modo alguno cual era la verdad.

El guión es muy interesante, está basado en el libro del hijo de uno de los soldados (del médico), que decidió investigar la verdadera historia de aquella foto. Las situaciones que refleja nos pueden parecer increíbles, como el hecho de que el gobierno americano pensara en parar la guerra por falta de fondos (por cierto, la campaña logró recaudar 27000 millones de dolares, el doble del objetivo), o el espectáculo en el estadio.

Clint Eastwood ha decidio no aparecer en esta, y utilizar actores poco conocidos, de forma que no hagan sombra a la propia historia. Todos ellos cumplen con creces en su papel, especialmente el indio americano que se derrumba entre tanta falsedad.

Película totalmente recomendable, aunque os recomiendo este enlace para saber un poco más de la Batalla de Iwo Jima.Y si os interesa la batalla, y Clint Eastwood, esperad al mes que viene para ver la visión desde el lado japonés. Debe ser muy interesante para intentar comprender el salvajismo de unos militares que decidieron luchar hasta el último hombre.

Un último apunte... yo no sabía que este hombre también componía la banda sonora de sus películas, al menos en esta lo hace.

Volviendo a los libros de fantasía, que ya he comentado eran mis favoritos hace años y que últimamente no los había tocado mucho. Encontré este libro en casa de uno de mis primos, y su lectura me vale para hablar de una serie de libros escritos por David Eddings en torno al personaje de Belgarath.

Belgarath es el hombre eterno, con más de 7000 años de edad, discípulo directo del dios Aldur, y que desde entonces anda errando por el mundo, tratando de derrotar a las huestes del mal, encarnadas por los discípulos del dios Torak. Hasta once libros he leido de este personaje, que paso a repasar rápidamente.

"Las Crónicas de Belgarath (The Belgariad)" son cinco libros que cuentan como Belgarath y su hija Polgara, junto con gentes de todos los reinos del oeste ayudan a su descendiente (tras muchas generaciones) Garion a enfrentarse al despertar del dios Torak, siguiendo los dictados de una profecía. Así dicho, podría ser algo que aparece en cientos de libros de fantasía. Pero las grandes novedades de estos libros son la ironía y el sarcasmo, el humor con el que aparecen dibujados los personajes. Así, el "anciano y bienamado" Belgarath aparece como un vagabundo errante en muchas ocasiones, gusta de emborracharse con los amigos, y su hija le lanza continuas pullas sobre ello, sobre su limpieza (o mejor, la carencia de ella) o su edad. Los personajes, si bien todos con grandes habilidades, no son compendios de virtudes, como en el Señor de los Anillos, sino personas mucho más cercanas, capaces de perder el control y dejarse dominar por las emociones.

Los cinco libros forman una historia que se devora con fruición, en un viaje a través de los reinos del continente, con una gran dibujo de personajes y variedad de situaciones. Altamente recomendables.

"Las Crónicas de Mallorea(The Mallorean)", constituyen otros cinco libros que comienzan poco después del final de las anteriores. Ya en los anteriores aparece una especie de voluntad suprema, cuya forma más visible es la profecía, que parecía cumplirse al final. Bien, no eran una, sino dos voluntades, cada una con sus profecías, que coinciden salvo en el resultado de un duelo final, y ese duelo no era el descrito, sino otro posterior. Belgarion debe cruzar a Mallorea junto con sus compañeros para perseguir al raptor de su hijo, el servidor de la otra profecía. Estos libros permiten a Eddings desarrollar un nuevo conjunto de tierras y naciones, así como nuevos poderes, como los invocadores de demonios y los videntes. Mantiene en gran medida el tono de los anteriores, y aunque estoy seguro de que alguien ha encontrado incongruencias, no son muy visibles (como suele suceder cuando alguien retoma una historia que ya estaba cerrada).

Tras ello, el siguiente libro ("Belgarath el Hechicero")que nos presenta el autor es la historia de Belgarath previa a los libros anteriores, a modo de "precuela" (palabreja que ahora se usa mucho). Es el propio Belgarath el que nos la cuenta, tal y como la vivió y la recuerda. Muestra los orígenes de sus poderes, pero también de sus defectos, relatando de forma sucinta su vida de 7000 años. Ahonda en el personaje, y sus motivaciones, pero por otro lado muestra un control del destino mucho más severo por parte de las profecías de lo que parecía en los libros anteriores. Todos los acontecimientos importantes de miles de años surgen de la confrontación de las dos voluntades, habiendo sido pactado por ellas como flujo hacia la decisión final. El libro baja un poco el nivel sobre los anteriores, y apenas presenta novedades en su desarrollo.

Por fin llega la nueva película de Iñárritu tras la trepidante "Amores Perros" y la magnífica "21 gramos". Altamente aclamada por la crítica, había que verla. Dado que está rodada en cinco idiomas, parece recomendable verla en versión original.

Al igual que en las otras películas, se van sucediendo historias aparentemente desconectadas, que luego van enlazándose de forma más o menos remota, aunque a diferencia de "21 gramos" no confluyen en un final común.

De las cuatro historias, dos muy relacionadas suceden en Marruecos, donde unos niños pastores hieren de gravedad a una turista americana, usando de forma inconsciente una escopeta. Por un lado vemos el drama del pastor que descubre como sus hijos son buscados, y por otra la pareja americana perdida en un poblado del desierto donde aguardan la evacuación en ambulancia. Una tercera historia es la de los hijos de la pareja al cuidado de la niñera mexicana, que decide cruzar con ellos la frontera para ir a la boda de su hijo. Y la cuarta historia sucede en Japón, enlazado de forma sorprendente y marginal.

En la película confluyen estrellas americanas, como Brad Pitt y Cate Blanchett, ambos magníficos en sus papeles, con un actor fetiche del director, el mexicano Gael García Bernal (que yo conocí por Amores Perros), también convincente. Pero además utiliza a actores desconocidos, o simplemente gente sin experiencia en Marruecos, obteniendo igualmente un buen resultado interpretativo.  

La película ambiciona mostrar la globalidad, la incomunicación, la multiculturalidad... pero estas palabras grandilocuentes quizá no son transmitidas con vigor suficiente. Los escenarios de México y Marruecos se tornan veraces, con imágenes que contrastan con nuestro civilizado occidente. Es en estas historias donde se mantiene un mayor interés, aún con altibajos. Sin embargo, la historia japonesa nos muestra un mundo más frío, son superfialidad que oculta un drama familia, y no consigue enganchar, pese a la gran actuación de la chica japonesa.

La película se hace lenta a ratos, en los que se pierde un poco el interés. Y eso que el guión no es complejo de seguir, al contrario de lo que podría esperarse. Las historias se presentan de forma simultánea sin serlo, y los saltos no despistan al espectador, debido a la diferencia de escenarios e idiomas.

Es una buena película, pero no tan buena como me esperaba tras escucahr y leer a algunos críticos.

Dos impresionantes actores sobresalen en esta película, Edward Norton (American History X) y Paul Giamatti (Entre Copas). Ambos están muy bien en sus respectivos papeles de mago ilusionista e inspector de policia de Viena.

Pero bueno, me adelanto mucho, lo primero es contar un pelín de qué va la peli. Eisenheim es un ilusionista que asombra a Viena con sus prodigiosos trucos cercanos a lo sobrenatural, hasta llegar a oídos del príncipe heredero del imperio, que desea desenmascar sus trucos. La prometida del príncipe resulta ser una amor de la infancia del mago y el reencuentro se produce en escena...

Me ha gustado bastante la película, principalmente por el trabajo de los actores, la ambientación de época y la sensación de intriga sobrenatural que envuelve el desarrollo. No desvelo nada si digo que el Ilusionista está casi más cercano a Harry Potter que a Juan Tamariz, desde el primer truco se ve que "eso no puede ser un truco".

Como he indicado el desarrollo de la película deriva hacia la intriga, en una lucha entre el Ilusionista, con el apoyo del público que le aclama, y el ambicioso príncipe (buen trabajo de Rufus Sewell) con su lacayo inspector de policía. La historia se hace muy interesante, si bien la sensación final que me ha quedado es la de ser un guión tramposo, y si al salir te paras a pensar empiezas a ver debilidades, por lo que recomiendo no hacerlo.

Siéntenese a disfrutar del relato, cosas inexplicables aparecerán frente a sus incrédulos ojos, Eisenheim les mostrará la naturaleza del alma...

Tras la muy aclamada "Match Point" (menudo dramón) el genio de Nueva York vuelve a las comedias con esta Exclusiva (Scoop). Como otras veces voy a copiar la sinópsis de la web oficial:

Sondra Pransky (Scarlett Johansson) es una estudiante americana de periodismo que se encuentra en Gran Bretaña visitando unos amigos. Durante su estancia en Londres, acude a un espectáculo de magia, donde el ilusionista (Woody Allen) le hace subir al escenario, para realizar uno de sus trucos en el que ella debe desaparecer. Mientras Sondra está esperando "desmaterializarse", recibe la visita del fantasma de un reportero fallecido (Ian McShane), que le dará la exclusiva del año.

El espíritu afirma que Peter Lyman (Hugh Jackman), el rico y atractivo hijo de un conocido aristócrata británico, está llevando una doble vida como el "Asesino del Tarot", un asesino en serie que lleva tiempo aterrorizando el país y eludiendo a la justicia. Con la ayuda del mago, Sondra empieza a investigar la noticia y consigue juntar ciertas evidencias incriminatorias contra Lyman. De todas formas, cuanto más sabe de él, más peligrosa se vuelve la investigación, sobre todo cuando nota que empieza a enamorarse del atractivo presunto asesino.

Realmente no soy un gran, gran fan de Woody Allen, si bien es posible que haya visto en cine más de la mitad de sus películas de la última década. Este es de esos directores que son casi de obligada visión, como Clint Eastwood (si bien este último ha sido insuperable en la última década), MArtin Scorsese... Sin embargo, sus últimas comedias me resultan más bien "amables" que realmente divertidas. Sólo con la primera parte de "Granujas de Medio Pelo" reí de verdad a carcajadas.

Con esta película vuelve a darnos una de estas obras que pueden considerarse menores, pero que en general son muy superiores a buena parte de la cartelera. El guión es moderadamente divertido, destacando los momentos en que aparecen los fantasmas, mezclándose con una intriga un poco de vodevil. Durante toda la película va planeando la duda sobre la culpabilidad o inocencia del aristócrata, utilizando esa ambigüedad para justificar la actitud dubitativa de la chica periodista.

De los actores, me gusta bastante una Scarlet Johansson totalmente alejada de sus papeles sensuales. Hugh Jackman cumple como puede con un personaje bastante plano. Woody Allen hace el papel de siempre, cámbiale el nombre y la profesión, y será el mismo tipo de otras muchas películas. Así que lo hace tan bien como de costumbre (o tan mal, según si te gusta o no). El resto de actores son muy secundarios, y se hecha en falta una mayor presencia del fantasma del periodista.

No es un guión perfecto, pues hay cosas cogidas con los pelos, pero es suficientemente ágil y entretenido para que la película mantenga un buen nivel.

Es este uno de los musicales más renombrados de la actual cartelera madrileña. Hacía tiempo que no me dejaba los cuartos en uno de estos espectáculos. Lo primero que hay que decir es que fui al segundo anfiteatro, a las entradas de 30 euros. Desde las alturas se contempla bastante bien todo el escanario, salvo la parte más cercana al patio de butacas. De esta forma sólo cuando los actores se acercan mucho al público (no ocurre a menudo) y en algunas coreografías la visibilidad queda comprometida. Hay otra entradas más baratas que avisan de visibilidad reducida, así que las desaconsejo bastante.

La obra ha sido montada principalmente por Nacho Cano, con guión del director de cine y guionista David Serrano ("Días de Fútbol"). La historia cuenta la creación, ascensión y caída de un grupo de pop durante los años de la "Movida" madrleña. Ello sirve de excusa para intercalar los principales éxitos del grupo rey de las ventas en los 80, Mecano.

La obra está dividida en dos partes con un intermedio, lo que hace que se alargue durante cuatro horas, pero afortunadamente no se hace pesada en ningún momento. La primera parte narra los comienzos del grupo "Luna" salpicando la historia con numerosos gags y momentos graciosos, narrados con un lenguaje muy explícito (vamos, que no es para niños). Sin ser un entendido en teatro, yo creo que los actores están bien, pero en esta parte el peso recae en los números musicales más frescos y en los divertidos diálogos. Poco a poco se van insinuando problemas en las relaciones entre los personajes, que serán el centro de la segunda parte.

La segunda parte desarrolla los conflictos hasta momentos bastante dramáticos, reduciéndose en gran medida la comicidad. También en esta parte abundan las canciones más lentas y sentimentales. Los actores parecen destacar más en este momento.

Casi todos los mayores de 20 ó 25 años conocemos buena parte de los éxitos de Mecano, fuesen o no de nuestros grupos favoritos (en mi caso lo eran). Esto es una de las principales bazas de la obra, canciones que el público corea sin rubor, casi como en los conciertos. Pero eso no significa que sólo a los fans de Mecano les vaya a gustar, pues un destacable guión consigue que una vez empezada la obra, las canciones sean un añadido a la historia, y no al revés, lo que supone un gran éxito de la obra. Para poder incluir las canciones en la historia, en ocasiones de ha modificado su significado (un canción de amor se transforma en una de amistad, por ejemplo), pero en unos pocos casos de han añadido con "calzador", sin dar una relación coherente con la historia.

En resumen, una obra muy recomendable de ver para todos aquellos que recuerdan con agrado algo de la múscia de los 80, aunque no fueran seguidores de Mecano.

Tras la muy apreciable "El Lobo" el director Miguel Courtois vuelve al tema del terrorismo en España con una película sobre los Grupos Antiterroristas de Liberación, ¿habrá conseguido mantener el nivel?

Ante una película como esta es necesario dividir la crítica en dos partes, primero la rigurosidad con los hechos, y en segundo lugar la calidad cinematográfica.

En cuanto al primer apartado la película tiene un importante inconveniente desde el principio. Se han cambiado los nombres de todos los personajes importantes como Amedo (Ariza) o Domínguez (Molina). Incluso a los altos cargos se les nombra por el cargo, no por el nombre: presidente, ministro, secretario... Todo ello hace que mientras ves la película hagas un esfuerzo más o menos consciente por tratar de reconocer personajes. Además la caracterización de los mismos se aleja bastante del original salvo el aspecto de chulo de Amedo-Ariza (exceptuando el bigote que le han colocado) y el acento andaluz del presidente.

Imagino que a la mayor parte de la gente menor de 25 los hechos les suenan aún más difusos que a mí (me he dado un paseo por la wikipedia para refrescarlos), por lo que esta ocultación les priva de situar buena parte de la película. Por otro lado, los saltos adelante y atrás en la narración no están nada claros, resultan confusos. No hay indicaciones sobre el paso del tiempo, salvo un lacónico "siete años después" tras la destitución del director del periódico, que en la realidad repasando los hechos debería ser "cinco años después". Así por una parte parecen confiar en el conocimiento del espectador del caso, y por otra no son fieles a la realidad, aumentando la confusión.

Hay que destacar que la película ha sido producida por Melchor Miralles y una productora llamada MundoFicción. Melchor Miralles es periodista de El Mundo y parece que fue el que siguió el tema de los GAL en Diario 16 y en El Mundo (este dossier os puede ayudar). Así resulta que no eran un par de periodistas chico y chica como en la película, con lo que la relación entre ellos es ficticia. De paso se ofrece una apología indisimulada (salvo por no citar el nombre) de Pedro J. Ramírez, despedido por defender la verdad, según la narración.

En cuanto a la película es si, ya he indicado que la historia resulta confusa en los saltos temporales. Se ha querido centrar la historia en los periodistas, y sabiendo que esto no daba para mucho (salvo con talento) se ha intentado aderezar con una pseudo-historia de amor. De esta forma las actuaciones de los GAL son difusas, sólo el secuestro de Segundo Marey (con otro nombre en el film) se explica en detalle para resaltar el grado de chapuza. Se intenta mantener un interés de thriller del cual carece el guión.

En mi opinión, habría sido más eficaz narrar durante una hora el nacimiento y desarrollo del Gal y luego que entraran en juego periodistas y jueces para acorrarlarles. Pero como la financia El Mundo, pues se quiere centrar en los periodistas.

En cuanto al trabajo de los actores, sólo destaco a Jordi Mollá, un excelente actor, pero al que en la película han dejado en un papel de Amedo caricaturizado en exceso. Aún así salva el papel. De los periodistas, José García cumple sin alardes en un papel mal dibujado, al que intentan darle un tono de periodista dedicado a su carrera con fracaso en la vida, pero no lo consiguen. En cuanto a Natalia Verbeke, es una actriz que nunca me la creo (salvo en el Hijo de la Novia). Me parece que cuando baja la barbilla y pone ojitos tiernos recogiéndose el flequillo repite siempre el mismo papel. Aún así en algún momento de tensión (la discusión con Ariza) ha estado más convincente de lo habitual.

La cámara tiene molestos momentos en los cuales se quiere dar tono documental, al aproximarse a un personaje público los grupos de periodistas todo vibra como si fuera una cámara de una televisión corriendo, con un efecto mareante en la sala de cine.

La reconstrucción de la época está bastante conseguida. Las panorámicas de las ciudades sí que parecen de hace 20 años, así como las calles, coches, indumentarias.

En resumen, el director de El Lobo ha realizado una película de encargo (le han contratado por el nombre de la anterior) y se ha limitado a cumplir el trámite. Una ocasión perdida de narrar un negro episodio de nuestra democracia, una lástima.

Esta es la última novela del autor que más he leído en la última década, Pérez Reverte. Creo que la primera novela suya que leí fue "La Tabla de Flandes". Por aquella época me parecían libros con un desarrollo absorbente, intrigante y enrevesado, pero en los cuales el final desmerecía completamente del resto, por apresurado, inverosímil o poco atrayente. El mayor ejemplo de ello para mí fue "La Piel del Tambor". Pese a ello lo leía con bastante interés, además el tema de los finales nefastos es cada vez más común (tanto en novelas como en cine).

Luego vino el capitán Alatriste. Sobre estos libros todo son parabienes por mi parte, los he devorado con fruición y deleite. El primero era sólo una introducción, luego han ido creciendo. A la espera del último estamos (aunque la peli ya nos ha desvelado el final).

Realmente creo que quitando relatos cortos y los libros de artículos (que sin embargo me encanta leerlos sueltos), sólo me faltan por leer "El Húsar" y "La Reina del Sur". Desde "la Carta Esférica" se nota un importante esfuerzo por cambiar de estilo. No sé si es por las innumerables críticas de los "expertos literarios" que le negaban reconocimiento, o simplemente es resultado del proceso de evolución del autor. Libros que se recrean más en la palabra, en como se cuentan las cosas, que en la historia que cuentan. Las tramas son menos intrincadas y enganchan menos, pero quizá en relación el final resulta más certero. Con todo, "Cabo Trafalgar" me encantó, así que ahora me preguntaba qué nos depara de nuevo este autor de éxito.

Tras este rollo os copio la sinopsis de la página web:

En una torre junto al Mediterráneo, en busca de la foto que nunca pudo hacer, un antiguo fotógrafo pinta un gran fresco circular en la pared: el paisaje intemporal de una batalla. Lo acompañan en la tarea un rostro que regresa del pasado para cobrar una deuda mortal, y la sombra de una mujer desaparecida diez años atrás. En torno a esos tres personajes, Arturo Pérez-Reverte ha escrito la más intensa y turbadora historia de su larga carrera de novelista. Deslumbrante de principio a fin, El pintor de batallas arrastra al lector, subyugado, a través de la compleja geometría del caos del siglo XXI: el arte, la ciencia, la guerra, el amor, la lucidez y la soledad, se combinan en el vasto mural de un mundo que agoniza.

"Deslumbrante", "subyagado"... grandilocuentes palabras. Como diría el señor Lobo (Pulp Fiction) "Dejemos de chuparnos la polla, señores". Este tipo de sinopsis suelen darme mala espina, es como si no hubieran sabido qué poner. O quizá no, pues en general parece que la crítica lo ha saludado con cierta efusividad: "Lo mejor de Pérez Reverte", "punto de inflexión"...

Siguiendo lo dicho antes, él libro es mucho más literario y menos "Best Seller" de fácil consumo. Y aunque me voy alejando poco a poco de los best-seller, no he llegado todavía a este punto dada mi escasa formación literaria. Así que el libro de ha aburrido a ratos.

¿Qué nos cuenta el libro? Mucho y nada. Apenas hay una trama, sino una sucesión de flashbacks en la memoria del pintor sobre sus recuerdos de las guerras que ha fotografiado. Y un presente en el que habla con un croata que ha venido a matarlo por un foto que le hizo (esto aparece en las primeras páginas, no desvelo nada). Estas conversaciones llenas de filosofía y metafísica sobre la guerra se hacen bastante abstractas y pesadas. Desconozco si la mirada fría del pintor sobre la crueldad humana es la propia visión de Pérez Reverte extraída de sus tiempos de corresponsal, pero imagino que puede serlo, al menos en parte. En el fondo el fotógrafo-pintor es el personaje de digno perdedor que es protagonista habitual con Pérez-Reverte, es Alatriste, es el marinero de La Carta Esférica, es Corso...

El propio croata concibe la guerra de esa forma cruel sin sentimientos, y así habla con el pintor. Extraño personaje, con el paso de las páginas se hace incomprensible su búsqueda de venganza, cuando admite que el propio caos y la crueldad humana llevan a tener las cosas fuera de control. Si el pintor no hubiese hecho la foto, otro podría haberla hecho, o una bala podría haberle matado...

Por otro lado, la descripción del cuadro es profusa y detallada, pero a la vez a ratos confusa, aunque creo que confusión y caos es lo que prentende pintar el protagonista.

Si te gustaron más las primeras novelas de Pérez Reverte, y menos a partir de "La Carta Esférica" tengo la impresión de que esta no te va a gustar mucho. Si lo único que te gusta es Alatriste, tampoco. Si las primeras novelas te parecían deficientemente escritas (como he oído), quizá esta sea la tuya, a mí ha sido la que menos me ha gustado.

"Una verdad incómoda" es un documental... seguro que con eso la mayor parte decide no ir a verlo, las cosas como son. Tampoco se puede decir que yo haya ido a ver muchos al cine, un par Michael Moore y éste. Sin embargo creo que es algo saludable cuando piensas que van a contar algo interesante.

El documental trata del calentamiento global y tiene como hilo conductor a Al Gore, un tipo inteligente que en sus charlas se define de forma irónica como "yo fui el próximo presidente de los Estados unidos". Siempre me pareció un político adelantado a su tiempo (esa énfasis en las "autopistas de la información") y sabía que era defensor del protocolo de Kioto en la campaña del 2000 (lo que pudo quitarle bastante apoyo de la industria). Lo que no sabía es que su preocupación por el calentamiento global viene de antiguo, de la universidad, al haber estudiado con uno de los pioneros en esta materia.

Los datos que aporta son suficientemente claros, sin llegar a resultar excesivos. Nos cargamos el planeta. La película está claramente destinada al público norteamericano. Algunas de las insinuaciones son directas a ellos, como el grado de compromiso medioambiental de su industria automovilística. Además señala conjeturas sobre posibles desarrollos futuros del problema, basándose en analogías con el pasado ¡qué miedo da!

Todo ello lo va intercalando con ciertos episodios de su vida (las elecciones del 2000, un accidente se su hijo, la muerte de su hermana por cáncer de pulmón, su niñez en una granja cultivadora de tabaco...) señalando como le ha ido afectando en su concienciación y ahora lucha por detener el calentamiento.

Es un muy buen documental, donde lo único que no me ha gustado ha sido el doblaje. No sé muy bien la razón, pero se nota muchísimo que está doblado, en especial las risas del público en sus conferencias, parecen las típicas risas de las comedias de la tele. Aparte de eso, creo que debéis verlo y concienciaros un poquito del mundo donde vivimos.

Visitad la página web, y si se puede, hay que intentar llevar a cabo los consejos para reducir el consumo de energía, los tenéis en  http://www.climatecrisis.uip.es/takeaction/. El planeta lo agradecerá.

Llega a las pantallas una nueva película del gran Martin Scorsese, uno de los directores más aclamados de los últimos 30 años. Aunque me perdí "El Aviador", la anterior "Gangs of New York" me encantó. Las tres con el nuevo actor fetiche del director, Leonardo di Caprio.

Debo decir que la película me ha decepcionado, no porque sea mala, pues no lo es, sino porque mis espectativas estaban bastante elevadas. Voy a intentar hacer un comentario breve, y a no destripar la película para los que no la hayan visto.

Esta es la historia de dos novatos recien salidos de la academia de policía en Boston. Ambos se han criado en la zona sur de la ciudad, controlada por el mafioso Frank Costello, y ambos van a tener que afrontar unas misiones muy particulares. Uno de ellos aceptará ser expulsado y pasar unos meses en la carcel para intentar infiltrarse en la organización de Costello. El otro ha sido "criado" por Costello, y actuará como infiltrado del mafioso en el departamento de Investigaciones Especiales.

Todo esto ocurre en los diez primeros minutos de la película, y es a partir de entonces donde se suceden las visicitudes de ambos. Durante la cinta se va observando como uno (Matt Damon) va medrando en el departamento de policía mientras sirve de apoyo a Costello, mientras el otro se sumerge en la ansiedad y el temor de ser descubierto, mientras se siente abandonado por el mundo.

Por lo visto la película se basa en una producción de Hong Kong, y aunque la historia tiene un buen punto de partida y momentos interesantes, se desarrolla con ciertos altibajos. La historia del "poli malo" (Damon) se sigue con un menor interés que la del "poli bueno". Creo que no es sólo problema del guión, sino que Matt Damon no consigue transmitir verosimilitud a su personaje.

En el otro lado, la angustia del personaje de Di Caprio es mucho más creíble e interesante. Este actor, muy menospreciado por el público español, realiza una de las mejores interpretaciones que le he visto en cine. Para mí es lo mejor de la película.

El otro reclamo publicitario de la película es Jack Nicholson, que interpreta al mafioso Costello con su habitual histrionismo. Esto, que en algunas películas alcanza rango de genialidad (la última vez fue en "Mejor...imposible") en esta película se hace un poco cargante. Por muy excéntrico que sea un tipo al que nadie le para los pies, hay momentos en que te preguntas como es que nadie le ha pegado ya un tiro.

En el reparto sólo hay una mujer, que interpreta a una psiquiatra. También en este caso la relación con el personaje de Di Caprio tiene mayor interés que la relación con el personaje de Damon. Además aquí el guión peca de una cierta falta de verosimilitud.

Del resto de actores secundarios, bien Martin Sheen y con papeles muy caricaturizados Msrk Whalberg y Alec Baldwin.

En resumen, una película que se deja ver, con interesantes interpretaciones de Di Caprio y Martin Sheen, y una trama que va enganchando. Sin embargo la parte de Matt Damon tiene un tono menor y el sorpresivo final me ha resultado poco adecuado.

Es esta una de esas exposiciones que inundan la capital durante todo el año y de las que me digo "tengo que ir, tengo que ir, tengo que ir..." y al final casi nunca voy. Por ejemplo, últimamente me he perdido una de matemáticas en Conde Duque y la de Klint.

Hablo de la exposición sobre el fotógrafo peruano Martín Chambi (1891 - 1973). La muestra está montada en la sede social de Telefónica, en el museo de las Telecomunicaciones de Gran Vía.

En ella hay una sala de video donde se proyectan dos documentales en sesión continua, uno en castellano y el otro en inglés con subtítulos. La duración de ambos en conjunto se acerca a los 40 minutos, pero es bastante importante sentarse a verlos para un mayor entendimiento del fotógrafo y su entorno.

Martín Chambi es considerado un pionero de la fotografía en latinoamerica, con la particularidad de ser indio en una sociedad clasista como la peruana, donde los indios han vivido durante siglos como ciudadanos de segunda. Un fotógrafo artesanal con unas cámaras que se asemejan a cajas negras. Los negativos de cristal, en ocasiones retocados a mano para los retratos de estudio, dan fe del trabajo de una vida dedicado a la fotografía.

En un mundo donde nos acostumbramos a la cámara digital, y donde las cámaras reflex automáticas han existido por décadas es difícil valorar en su justa medida el mérito de un fotógrafo que desarrolló su actividad en los años 20 y 30 del siglo XX (en ellos se centra la exposición). Si era necesario esperar minutos u horas a conseguir la luz precisa, se esperaba. Chambi tenía un don especial para la utilización de luz natural, que es la que aparece en todas las fotografías.

En los retratos de estudio llega a obtener magníficas composiciones de luz jugando con cortinas. Sin embargo es destacable como fotógrafo rural, dejando para la posteridad un ingente archivo sociológico sobre la sociedad india (quechua). Era su forma de participar del movimiento indigenista que por aquellos años comenzaba a reclamar los derechos de los indígenas del Perú.

Desconozco la calidad de la óptica que usaba Chambi, pero me sorprendió el detalle de muchas de sus fotos. Además, la luz está magníficamente utilizada en ellas, en tomas que hoy día podemos haber visto mil veces, pero que en una persona casi autodidacta de hace 80 años es algo muy reseñable.

Por último, hay un buen número de fotos de los restos del imperio inca, fotos bellas por sí mismas, pero que aquellos que hayan visitado Perú apreciarán en mayor medida. Igualmente en las fotos rurales se pueden apreciar estampas que no han desaparecido del Perú actual, en especial en los Andes y el Titicaca (por ejemplo hay una de un campesino con un palo que usan para arar todavía hoy día en la isla Taquile). Por ello es una exposición muy recomendable si conoces Perú, o si puedes ir con un amigo que lo conozca y pueda darte alguna explicación sobre las fotos.

Esta es la sinopsis de la página oficial en castellano: Hijos de los Hombres se desarrolla una generación más allá de la nuestra. El mundo ha caído en la anarquía debido a la infertilidad de la población. El habitante más joven de la Tierra acaba de morir a los 18 años y la raza humana se enfrenta a la posibilidad de su extinción. Con el telón de fondo de un Londres desgarrado por la violencia y los enfrentamientos entre sectas nacionalistas, Hijos de los Hombres cuenta la historia de Theo, un desilusionado ex activista convertido a burócrata que se ve obligado a enfrentarse a sus propios demonios si quiere proteger la última esperanza del planeta.

Otra película de un estimable director mexicano, en este caso Alfonso Cuarón. Su última película fue la tercera entrega de Harry Potter, que es con diferencia la mejor en el aspecto cinematográfico (es decir, para todo aquel que no haya leído los libros). Si en aquella mostraba una gran habilidad para dar un tono tenebroso y gótico a los infantiles escenarios de las anteriores, ahora Cuarón nos dibuja un futuro oscuro y sucio, donde la civilización se encuentra en jaque ante la infertilidad del ser humano.

Desconozco hasta qué punto la novela original presenta en detalle este mundo futuro, pero en la película se insinúa más o menos que la civilización está en ruinas, y casi únicamente el Reino Unido se mantiene, si bien convertido en un estado policial con las fronteras aisladas donde los inmigrantes son perseguidos como animales.

En semejante ambiente el protagonista se ve inmerso en acontecimientos que le superan y ante los cuales se siente desválido. En este thriller, con importantes escenas de combate, él no es un hombre de acción, no empuña armas, trata de huir. Clive Owen es un actor que me encanta, si bien suelo tener la impresión de que el doblaje no acaba de ajustarse del todo (es de los actores donde más noto el doblaje, tendré que verla de nuevo en inglés). Habitualmente luce en papeles varoniles, incluso rudos. En este caso moldea un hombre de la calle, que a aparece superado por los acontecimientos, casi frágil. Me parece que está genial.

La película atrapa tu atención y la mantiene durante todo el metraje, mientras el director sumerge a los personajes en un mundo que se desmorona, siguiendo el contacto con un misterioso Proyecto Hombre del cual apenas se conoce nada en la película (en la web de la peli hay un enlace a The Human Project a modo de peudo-web de un grupo de activistas).

Me parece muy atrayente ese dibujo de un futuro cercano, sin grandes sorpresas. Es como si pensáis en como eran las cosas hace 20 años, tampoco hay tantos cambios como para que en 20 años esperemos coches volando. En ese mundo aparecen sectas religiosas, grupos terroristas, gente preocupad de salvar la cultura y el arte (esto es algo curioso), y los inmigrantes-refugiados, tratados como perros. Algunos momentos con ellos recuerdan las imágenes de Guantánamo, en lo que he querido ver una crítica al gobierno USA.

Del resto de actores, quiero destacar el sorprendente papel de Michael Caine. Este actor de aristócrática presencia nos sorprende bajo las melenas de una especie de hippie sesentón dedicado al cultivo de la marihuana.

Una película muy recomendable para (creo) un amplio rango de público. No esperes ver sólo acción (aunque hay bastante) o ciencia-ficción (que hay poco) sino bastante más.

Guillermo del Toro nos presenta su última película, donde mezcla su imaginario fantástico con la España de posguerra. De esta forma el director relaciona esta película con su "Espinazo del Diablo" que para mí resultó fallida.

Podéis leer la sinópsis en la página oficial, aunque yo la resumo aquí: Año 1944, Ofelia (Ivana Baquero), una niña de 13 años, junto a su madre Carmen (Ariadna Gil), en avanzado estado de gestación, se traslada hasta un pequeño pueblo en el que se encuentra destacado Vidal (Sergi López), un cruel capitán del ejército franquista, nuevo marido de Carmen...La misión de Vidal es acabar con los últimos vestigios de la resistencia republicana, escondida en los montes de la zona... También ahí se halla el molino donde Vidal tiene su centro de operaciones; en él les aguardan Mercedes (Maribel Verdú), una joven que se encuentra a cargo de los demás miembros del servicio, y el doctor (Alex Angulo), que se hará cargo del delicado estado de salud de Carmen...Una noche Ofelia descubre las ruinas de un laberinto donde...fantasía y realidad se abrazan para dar rienda suelta a una maravillosa historia donde la magia que rodea a Ofelia nos transporta a un universo único, lleno de aventuras y cargado de emoción.

Nos encontramos ante una maravillosa película, probablemente la mejor de la cinematografía del director. Es un cuento de hadas para adultos, con un entorno gótico en el cual también se salpican pequeñas escenas que rozan el gore. Sé que esta es una extraña descripción que quizá a algunos les eche para atrás, no debería. La historia está narrada con un pulso firme que hace que los saltos entre fantasía y realidad se sucedan y entremezclen sin momentos para el aburrimiento.

El único defecto que ví está en el trailer, pues muestra buena parte de las imágenes del mundo fantástico y onírico que envuelve a Ofelia, destripando las sorpresas visuales. En el trailer sin embargo se ignora ese mundo real donde está el principal monstruo de la película.

Las imágenes góticas del mundo fantástico están bien resueltas, si bien se hacen un poco escasas. Los efectos especiales son buenos, teniendo en cuenta que la producción es mayoritariamente española. No es una superproducción yanki, pero no desmerecen, en especial la escena del remiendo.

Los actores están sobresalientes, la niña es deslumbrante (si bien con los niños siempre lo pongo más como mérito del director). Sergi Vidal como despiadado y cruel capitán sin escrúpulos está magnífico, sin necesidad de aspavientos histriónicos. Alex Angulo dibuja un bondadoso e íntegro médico, mientras que Maribel Verdú está espléndida como criada (ojo al deje de lugareña, y como se le acentúa si habla con sus paisanos).

Sin duda es una de las películas de habla hispana de la temporada (no diré española ya que va a competir por el Óscar representando a México).

Nos encontramos ante una nueva película de un director comprometido, que suele firmar cine social, aunque sin desdeñar oportunidades de trasladar sus inquietudes a la historia, como ya demostró en "Tierra y Libertad" (debo sonrojarme al reconocer que no la he visto). Aquí vuelve a la carga con una película de fondo histórico, pero a la vez militante.

Como no he encontrado la página oficial en español, esta vez no copiaré la sinopsis oficial. La película está centrada en la Irlanda de la segunda década del siglo XX, donde los movimientos republicanos van fraguando su lucha contra el dominio inglés. En este marco, el joven médico Damien abandona su carrera para unirse al IRA junto con su hermano, frente a la brutalidad del invasor.

Ken Loach muestra un fuerte partidismo con la caricatura que hace de los ingleses. No se muestran motivaciones, planes, estrategias, ni personas. Los ingleses son animales despiadados que disfrutan maltratando al pueblo sometido. Al director, que es inglés, le ha valido una buena serie de palabras gruesas en su país. De cara a la película, realmente piensas que no podían ser todos tan crueles como aparecen. Sin embargo, la película no se centra realmente en ese enfrentamiento.

El núcleo de la película intenta dibujar como la propia sublevación evoluciona y conforme llegan los éxitos se produce la  división en facciones. Así, aparecen aquellos que miran con realismo la situación y son proclives a los pequeños pasos, y enfrente los que desean que la sublevación sea acompañada de la revolución. Hay que recordar que son los años inmediatamente posteriores al triunfo soviético en Rusia. Esta es una lucha interna que se ha repetido en el s XX, sin ir más lejos en la Guerra Civil española, donde la desunión de los republicanos es una de las más importantes causas de su derrota.

La historia está hábilmente contada, si bien en algún momento se echa en falta un poco más de brío en las escenas de acción (son escasas). Los actores cumplen su cometido con buena nota, en especial Cillian Murphy como médico que participa, incrédulo al principio, militante después, en un conflicto que le exige una enorme fuerza de voluntad.

También es de destacar la hermosa fotografía de la campiña irlandesa, que si bien no es tan profusa como en otras películas localizadas en el país, hace desear darse una vuelta por allí. Aunque, para lo verde que es, mira que llueve poco en la película.

La película ha ganado la palma de oro en Cannes. En mi opinión es una película apreciable, recomendable de ver, pero al que le falta algunas cosas para ser redonda.